Cuando la neutralidad no es una opción

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En esta cuasi bélica película, el director Erik Poppe nos narra una historia de la II Guerra Mundial poco conocida pero crucial, al igual que las recientes Bajo la arena (Land of Mine) y sobre todo Dunkerque (Dunkirk).

El 4 de agosto, Sherlock Films nos trae este film sobre una decisión crucial para los noruegos, obligados a dejar de lado su neutralidad para unirse al bando aliado o a los nazis. El Rey, Haakon VII (Jesper Christensen, Casino Royale, Melancolía) en su periplo para escapar de las fauces nazis junto a su familia y la cúpula de su gobierno, protegidos por un escaso y muy joven ejército protegiéndoles, debe tomar una crucial decisión mientras debe actuar como un abuelo más con sus nietos para que éstos no se asusten.

Esta dualidad es uno de los aciertos del film, el más taquillero el pasado 2016 en Noruega con más de 700.000 espectadores tres semanas consecutivas, que nos recuerda al magistral Marlon Brando en El Padrino, tomando crudas y salvajes decisiones a la par que juega, en el huerto, con su sobrino justo antes de sufrir el ataque al corazón.

Le acompañan en el reparto Anders Baasmo Christiansen (Kon-tiki) y Karl Markovics (Los Falsificadores).

Frenéticas negociaciones entre el Embajador alemán y el Gobierno noruego, una rápida invasión nazi y el duro clima noruego completan dignamente La decisión del Rey, (Kongens Nei), película recomendable especialmente para los que disfrutan con el cine histórico y europeo.

Aunque se conozca la historia, volver la vista atrás es un ejercicio muy recomendable para no cometer, o intentarlo al menos, errores que llevaron a momentos oscuros y trágicos de la Humanidad.

AnorMal, el corto documental de Luis Galán, conquista la tierra de Almodóvar.

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Tras una semana de exhibiciones, acaba de concluir el IV Festival Internacional de Cine de Calzada de Calatrava, pueblo natal de Pedro Almodóvar, quien apoya económicamente el festival desde su productora El Deseo, y cuyo rostro da forma a las estatuillas.

De entre más de 700 trabajos presentados, eligieron el emotivo y reflexivo documental dirigido por Luis Galán, AnorMal, rodado principalmente en Senegal, como película de inauguración, además de donar 500€ a las causas que en él se muestran. En la clausura del pasado sábado, además, obtuvo los premios al Mejor Cortometraje Documental
y el Premio del Público en la misma categoría.

Jurado, autoridades y asistentes mostraron un amor fascinante por la pieza, así como por los discursos de Luis Galán, el director, en ambas galas. La proyección a concurso contó con la inesperada presencia del cónsul de Senegal quien, a pesar de la dureza y lo crítico del cortometraje, confesó que le había gustado mucho. Todos destacan el componente universal de una pieza rodada en cuatro países (Senegal, Colombia, España e Italia) y cómo ésta te hace cambiar la perspectiva de lo que te preocupa para, al mismo tiempo, estar más implicado y ser más feliz en el día a día.

El propio director, muy ovacionado, anunció que donaría íntegramente sus premios al proyecto de ayuda en Senegal de la asociación malagueña De la A a la Z. Sumado al donativo inicial del certamen, el paso de AnorMal por Calzada de Calatrava asegura un año de educación y sanidad para cuatro niños del programa. Luis Galán También dedicó el premio al pueblo de Colombia, donde hizo la postproducción, y en especial al compositor Edwin Ospina y a los músicos que le acompañaron.

AnorMal ha sido seleccionado ya en 14 países (EEUU, Canadá, Egipto, Croacia…) siendo galardonado en numerosas ocasiones como Mejor Cortometraje Documental (Chile, Venezuela, Ecuador…). De hecho, esta misma semana es uno de los 5 finalistas del Ciudad de México International Film Festival, y se acaban de anunciar nuevas selecciones en Bolivia y Suecia.

Mensajes con alma de hojalata

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30 años después de su estreno en cines (el 17 de julio de 1987), alcanzando un apreciable éxito en taquilla (se estima que superó los 53 millones de dólares de recaudación sólo en EEUU, con un presupuesto de 13 millones) y lanzando la carrera de un Paul Verhoeven que 3 años más tarde pondría su firma sobre Total Recall, la modernidad de Robocop se mantiene inalterable a día de hoy, tanto en mensaje como en ejecución.

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Y, cuando una obra derrota al eterno igualador, se antoja imprescindible el rebuscar entre las causas probables de tan loable triunfo.

Robocop es mucho más que una estupenda película de acción, y detenerse en esa categorización supone limitarse a su epidermis y deshonrar de paso su legado. Tras la idea de los guionistas Ed Neumeier y Michael Miner (que pretendían invertir las tornas de la historia del cazador de androides de Blade Runner) y los sufrimientos físicos de un fantástico Peter Weller (hasta 1 kilo y medio diario se dejaba por el camino el actor bajo la armadura del robot-justiciero, papel para el que Verhoeven quiso a su amigo Rutger Hauer y los productores a Arnold Schwarzenegger), se esconde una brutal crítica satírica a la América de Ronald Reagan, a una población supeditada al imperio de ese monstruo de dos cabezas que conforman marketing y televisión (de gloriosamente ácido debemos calificar el famoso anuncio del juego de mesa Nukem que veremos en el metraje). Una criatura al servicio del capitalismo más visceral y deshumanizado, que sepulta el interés del ciudadano en campos tan cruciales como la política o los problemas sociales.

Y todo ello bajo la óptica de un realizador venido de los Países Bajos…

Debates como el de la peligrosidad inherente a la privatización de sectores gravitacionales en cualquier sociedad se insertan en el corazón de la película, con el CEO de la gran corporación de la trama haciéndose sin remordimiento alguno con el control de hospitales, colegios y policía. En la respuesta del líder de Omni Consumer Products a la huelga emprendida por los servidores de la ley (acuciados ante el crecimiento imparable de la delincuencia y la falta de medios para la protección de los agentes), iniciando la creación de un cuerpo de autómatas bajo su control, y en algunas de sus citas (“I say good business is where you find it”), hallaremos las dagas lanzadas por Verhoeven al corazón de un problema inmortal.

Además, al abrigo del entorno de una Detroit subyugada por la violencia a ras de suelo y por el poder financiero en las alturas de sus rascacielos, Robocop nos cuenta la historia de un tipo perdido entre dos mundos. Verhoeven y su equipo emplearán magistralmente planos en primera persona, para que emprendamos junto al agente Murphy su viaje de muerte y resurrección, convertido a priori en un mero producto de la empresa para la que ejerce de cobaya. Pero los recuerdos de su pasado mantendrán una llama de humanidad latente en el interior del autómata, en batalla constante por abrirse paso.

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“He´s legally dead. We can do pretty much what we want to him”.

La genial campaña publicitaria para el posterior lanzamiento de la cinta al mercado doméstico, con nuestro hombre de hojalata en pleno apretón de manos con un Richard Nixon que recibió 25.000 dólares por participar en tan icónico e inolvidable anuncio, fue una curiosidad más en torno a una obra empeñada en no tomarse demasiado en serio a sí misma.

Pero que, 3 décadas después, aún tiene muchísimo que ofrecer.

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@Juanlu_num7

 

El verano de nuestras vidas

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Para su primer largometraje, Carla Simón inició un viaje abisalmente introspectivo durante la escritura del guión, con su difícil niñez como génesis y destino. Y esa expedición nos ha regalado una de las joyas del año, magistral en la transmisión de sentimientos con la honestidad y naturalidad como vehículos, apartando con acertado desdén cualquier artificio innecesario.

“Para mí era importante contar la historia desde el punto de vista de la niña”

La maestría en el dominio del lenguaje audiovisual, presente tanto en los bellísimos planos (mención especial para los iniciales desde la nuca de la protagonista, cuya solvencia refuerza la sensación de vivir la historia a través de sus ojos) como en la inspirada utilización de formas sordas de expresión (gestos, miradas, caricias), se integra con el realismo sencillo en apariencia de los diálogos de “Verano 1993”. Las interacciones infantiles entre Frida (inclasificablemente brillante la interpretación de Laia Artigas, de apenas 8 primaveras) y Anna, trufadas de esa espontaneidad e inocencia tan deliciosamente infantiles, nos guían por un camino de baldosas amarillas que se oscurecen según se impone la desgarradora sensación de soledad y vacío. Un sendero que es búsqueda de lugar y hogar, en un pequeño mundo devastado por la trágica pérdida de los progenitores de Frida

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Los años 90 y el sida, un demonio innombrable, temido, incomprendido e incurable en aquel entonces, son oscuro marco para una historia de enfrentamiento y aceptación, en la que una niña de apenas 6 años se ve forzada a mirar a los ojos de ese terrorífico binomio que conforman muerte y soledad. Sombría dualidad en continente y contenido, alumbrada por fogonazos de luz en forma de humanidad conjurados por unos padres adoptivos (el hermano de la difunta madre y su pareja) que acogerán a Frida en su refugio de amor y aceptación incondicionales, físicamente ubicado en pleno Ampurdán.

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El prodigio autobiográfico firmado por Carla Simón deja el listón muy alto, tanto a las siguientes obras de la directora como para las próximas películas del año por cuyo ecuador transitamos.

@Juanlu_num7

 

 

Gandul: un viaje eterno

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La epopeya del Gandul, un catamarán hecho a mano y capitaneado firmemente por el experimentado navegante argentino Gustavo Díaz y su compañera la española Begoña Filloy a lo largo de innumerables travesías, nos lleva a recordar otras epopeyas fantásticas de autores como Julio Verne (La Vuelta al Mundo en 80 días, Dos años de vacaciones), los piratas de Emilio Salgari, Joseph Conrad, Alberto Vázquez-Figeroa o Arturo Pérez Reverte, sin olvidar las odiseas reales protagonizadas por Vasco de Gama, Enrique el Navegante o Fernando de Magallanes y Juan Sebastián Elcano (marino que da nombre al mundialmente admirado buque escuela de la Armada española).

Lejos de ser un documental de viajes, La última aventura del Gandul es referencia para todo marino y aventurero porque describe no solo la vida a bordo de un velero. Va más allá. Te enseña a admirar pero también respetar la mar, esa inmensidad salada, azul, que será durante días y días la única compañía en estas travesías. Nos enseña a convivir y a la vez es un llamamiento, un aldabonazo, para que apreciemos y cuidemos el entorno paradisíaco y único que son los mares y las criaturas que en ellos habitan.

Técnicamente bien rodado, con todas las complicaciones que supone rodar en tan reducido espacio, entremezcla acertadamente las vivencias del grupo de amigos que embarcan en el Gandul en noviembre de 2014 con las experiencias de otros aventureros y deportistas olímpicos como la regatista Esperanza Pérez.

El próximo 4 de julio, Movistar+ estrena La última aventura del Gandul. Un merecido y emotivo homenaje a un barco que, como tantos otros grandes pecios, descansa en las profundidades del Atlántico tras un dramático e impactante rescate cerca de las Azores.Lejos de amilanarse, su tripulación está decidida a seguir la aventura. A no quedarse en tierra mucho tiempo más. Como si de anfibios se tratase, los marinos siempre acaban volviendo a la mar. Mientras, el Gandul prosigue su odisea, haciendo que su memoria perdure, tanto en Movistar+ como en diversos festivales. Sería muy recomendable ampliar su difusión a colegios y universidades por el mensaje tan global de concienciación, respeto y superación que contiene sus ochenta minutos de metraje.

Fumando desde las sombras

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Director de compañías de teatro, amante de la enseñanza en la rama de la interpretación y del avistamiento de aves, acostumbrado a encarnar roles secundarios despojados incluso de nombre propio en los guiones de los rodajes, y antitabaco beligerante desde que dejara el vicio 18 años atrás: nadie aventuraría jamás que tras este perfil, tras la figura de William B. Davis, anidara uno de los villanos más icónicos de la historia de la televisión. Uno en simbiosis eterna con un pitillo, para más inri.

Ni siquiera su creador Chris Carter era capaz de ver más allá, mientras la inmortal serie daba sus primeros pasos…

En aquella escena del episodio piloto, con la agente especial Dana Scully asumiendo de sus superiores un nuevo destino como ayuda/estorbo de Fox Mulder en los expedientes-X, participaba un siniestro personaje apoyado con cierta desidia sobre un mueble archivador, que observaba los acontecimientos sin articular palabra mientras apuraba un cigarrillo. El guión de aquel piloto de 1993 se refería al rol de Davis como “the Cigarette Smoking Man”, ninguna novedad en un currículum plagado de este tipo de incursiones de bulto (entre las que se contaba previamente otra como “doctor” en Macgyver). Y no volveríamos a ver al intrigante individuo hasta el último capítulo de la 1ª temporada, de nuevo sin una sola línea de diálogo.

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Con todo, algo en el personaje irrelevante de Davis, en su manera de observar impertérrito y poderoso a la vez los acontecimientos, transmitía una peligrosidad maquiavélica sin necesidad de exigir esfuerzo alguno a sus cuerdas vocales. De qué no sería capaz con una mayor relevancia en las tramas…

Y la oportunidad llegó fuera de los planes preestablecidos, con el embarazo de Gillian Anderson durante la 2ª temporada. En su ausencia, Carter y su equipo de guionistas se vieron obligados a cubrir la ausencia temporal de Scully dotando de mayor peso a algún otro personaje, siendo “the Cigarette Smoking Man” el elegido.

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William B. Davis había aterrizado definitivamente en la serie, para quedarse.

Su respuesta fue tan portentosa que de aquella decisión condicionada nacería la némesis de Mulder y Scully, un titiritero de gobiernos que maneja los hilos desde las sombras y a su antojo, dejando siempre un halo de humo tras de sí. Decía Davis que, en una charla con Carter, se erigió en defensor a ultranza de su amado personaje ante la escueta definición de “destructor” utilizada por el creador, guionista, productor y director ejecutivo de la obra. El actor siempre vio en “el fumador” a un hombre que un día creyó que podría hacer del mundo un lugar mejor, a un héroe que protege a la opinión pública de información que jamás sería capaz de asimilar, a una figura que consagró su existencia a salvar del caos a toda una sociedad.

El epítome de la fusión actor/papel…

Temporada a temporada, capítulo a capítulo, secuencia a secuencia, el villano de Expediente-X acabó convirtiéndose en uno de los roles más poderosos y fascinantes de la trama, y con los años presenciaríamos su auge, caída, e incluso humanización.

Con voz o sin ella, pero siempre fumando y exhalando su humareda en las más recónditas y oscuras sombras del sistema.

@Juanlu_num7

 

Baroque. El arte de hacer ver lo que no es en lo que es

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De nuevo, tras la presentación de un magnífico libro de fotografías fruto de tantos viajes y aventuras, ojo a vizor y siempre junto a su cámara, Pío Cabanillas nos deja disfrutar hasta el próximo 27 de junio, en la galería Materna Y Herencia, de los inmensos paisajes contenidos en la inmensidad del pequeño planeta Tierra.

Ángeles González-Sinde hace un estupendo prólogo de esta nueva exposición, Baroque. Por ello me permito citar, a modo de resumen e ilustración de lo que el visitante va a descubrir, algunas líneas.

“A primera vista podrían parecer hojas, inmensas hojas, fragmentos del reino vegetal, pormenores de esa planta tropical llamada elocuentemente Musa paradisíaca y vulgarmente banano o platanero. Posiblemente sea lo que el autor pretende: llevar al observador, si no al engaño, sí a la paradoja de reconocer lo que es en lo que no es. (…)  Las imágenes nos invitan a comprender que, a lo largo de la historia del arte, los maestros se han guiado por las estructuras de la naturaleza. (…) Como los creyentes de las antiguas religiones, Cabanillas rinde homenaje a esos espacios donde le gusta perderse, colocándolos al alcance de nuestra vista y casi de nuestra mano. Son porciones de un paisaje y podemos muy bien imaginar el proceso previo y posterior al disparo de cada imagen: la mirada admirada del fotógrafo, los pasos que allí le condujeron. (…) Pliegues y deformidades, como ornamentos o estructuras barrocas, conforman un escenario teatral cambiante en función de los rayos de luz que resbalan por las grietas. La serie fotográfica nos habla de una naturaleza libre y voluble, casi como sedas agitadas por el viento. Lo real se confunde con lo imaginario, los planos y la profundidad de campo son engañosos, y el derroche de movimiento y líneas difumina los objetos y prima los juegos visuales. (…)”.

Para todo artista, o amante de la aventura y naturaleza, es, como todas las exposiciones de Pío Cabanillas, una visita obligada. Una inspiración y toda una experiencia de las que abren la mente de uno, invitándonos a reflexionar en el marco del Festival Off de PhotoEspaña 2017.

Hasta la próxima ventana que nos abra a cualquier recóndito y fascinante lugar de este mundo.

Imagen tomada por el propio Pío Cabanillas de una de sus obras. 20 de junio 2017.

Elegancia de otra década

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Hace tiempo que la admiración absoluta que el que escribe profesa por la joya de Nicolas Winding Refn es un secreto a voces, uno que ha generado ya dos piezas en esta santa casa: acerca de la obra (http://beat4people.com/drive-venganza-sobre-ruedas/) y de una de sus más memorables escenas (http://beat4people.com/escenas-inmortales-pasion-y-furia-en-el-ascensor/). Y, tras ese tránsito de lo general a lo particular, hoy toca volver, para completar la trilogía tratando otro aspecto de importancia capital en su perfecta amalgama técnico/narrativa: una prodigiosa banda sonora.

Los 80 están bien presentes en el uso de sintetizadores tan común hace 3 décadas, empezando por el tema que viste los créditos de apertura. Entre caracteres teñidos de un morado de otra época y majestuosos planos de la noche en la ciudad de Los Ángeles, truena ese himno electropop que es el Nightcall de Kavinsky, cuya letra es fiel reflejo del carácter oscuro y misterioso del conductor protagonista de la historia. Un inicio que nos susurra al oído la brutalidad inmisericorde que nos aguarda, agazapada en fases más avanzadas de la película…

A partir de ahí, la banda sonora nos ofrecerá maravillas como el Under Your Spell de Desire (banda de música electrónica formada a caballo entre Portland y Montreal), plasmación de la especialísima historia de amor entre el Irene y el conductor, o A Real Hero. Fruto de la colaboración entre el dúo canadiense Electric Youth y la producción de College, el otro gran himno del film nos muestra el lado más humano del personaje encarnado por Ryan Gosling, una vertiente tierna y heróica que abriga a una de las escenas más bellas y sosegadas del montaje, cuando la calma aún nos impide atisbar la furibunda llegada de una tempestad que ya se dibuja poco a poco en el horizonte.

Con el aumento de ritmo y ferocidad, el testigo quedará en manos de la música de Cliff Martínez, batería integrante de los Red Hot Chili Peppers en la fase inicial del grupo californiano. Tras poner su firma en Traffic o Sex, Lies and Videotape, Martinez no abandonará jamás el tono electrónico dominante, para conducirnos con elegancia y solvencia por los altibajos anímicos y volantazos de flujo de una joya que nadie debe perderse.

Por si no había quedado claro tras dedicarle una trinidad de piezas, Drive merece disfrutarse y revisitarse tantas veces como sean posibles. Y su banda sonora opositará a inquilina perpetua en vuestros reproductores, inmune al desalojo por aburrimiento.

@Juanlu_num7

El genio renacentista ‘Michelangelo’ cierra la temporada Exhibition On Screen

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<<Una enorme fuerza artística y un artista universalmente admirado, ‘Michelangelo’ se adentra en la vida del enigmático artista italiano, sin duda, una de las personalidades más influyentes del Renacimiento y probablemente de todos los tiempos>>

A Contracorriente Films cerrará la temporada de Exhibition On Screen con el estreno de Michelangelo, un documental que Nos narra, a través de artistas y otros expertos en arte la extensa y muy influyente obra de Michelangelo Buonarroti.

 El film abarca los 89 años de vida del artista italiano y acerca al espectador a este personaje carismático, a la relación que mantuvo con sus contemporáneos y a su valioso y muy variado legado artístico. Michelangelo es un viaje fílmico, empezando por las salas de impresión y dibujo de Europa, las grandes capillas y museos de Florencia, Roma y el Vaticano, y a través de la tempestuosa vida del artista. Descubriremos cómo se inspiraba y los métodos de trabajo del Michelangelo pintor, escultor, arquitecto y poeta centrándose especialmente en obras como la <<imponente estatua de David, la conmovedora Pietà en la Basílica de San Pedro y su tour de forcé: el techo de la Capilla Sixtina>>, que dejó su huella. Una inmensa obra con <<la que consiguió dominar el panorama creativo del siglo XVI.

El director, David Bickerstaff, ha buscado <<darnos las claves para entender el papel central que el genio italiano jugó en la historia del arte, explicando la peculiar mirada del artista hacia el hombre en su incesante búsqueda de inspiración>>.

Con Michelangelo se cierra la cuarta temporada de la pionera serie fílmica Exhibition On Screen, demostrando que es posible acercar los museos al cine y atrayendo, a su vez, a los espectadores a las salas de arte para ver los cuadros con otra mirada.

Avalada por las más prestigiosas galerías y museos del mundo, Exhibition On Screen inauguró la cuarta temporada en España con Yo, Claude Monet seguida por El fascinante mundo de El Bosco y El jardín del artista: impresionismo americano. Michelangelo será la última proyección de esta cuarta temporada, y podrá verse, por tiempo limitado, el próximo 15 de junio en 66 salas de cine de nuestro país. Imprescindible para estudiantes de Bellas Artes, Arquitectura o aficionados a las artes.

 

Salas de cines que proyectarán ‘Michelangelo’ el 15 de junio de 2017

ANDALUCÍA

Cádiz: Cinesur Bahía de Cádiz

Córdoba: Multicines Guadalquivir, Cinesur El Tablero

Fuengirola (Málaga): Cinesur Miramar

Jaén: Cines La Loma

Mairena del Aljarafe (Sevilla): Cines Metromar

Málaga: Yelmo Cines Vialia (20 de junio)

Marbella (Málaga): Cine Teatro Goya, Cinesa La Cañada

Puerto de Santa María (Cádiz): Multicines Bahía Mar

Sevilla: Cine Cervantes, Cinesur Nervión Plaza

Vélez-Málaga: Cinesur El Ingenio

ARAGÓN

Zaragoza: Cines Palafox, Cines Aragonia

ASTURIAS

Oviedo: Yelmo Cines Los Prados (20 de junio)

CANTABRIA

Santander: Cinesa Gran Bahía, Cines Peñacastillo

CASTILLA LA MANCHA

Guadalajara: Multicines Guadalajara

Toledo: Cinesur Luz del Tajo

CASTILLA Y LEÓN

Ávila: Cine Estrella

León: Cines Van Gogh

Palencia: Multicines Avenida

Salamanca: Cines Van Dyck

Segovia: Cines Luz de Castilla

Zamora: Multicines Zamora

CATALUNYA

Barcelona: Cinemes Verdi, Cinesa Diagonal, Cinemes Comèdia, Balmes Multicines, Cinemes Boliche, Yelmo Cines Icaria (20 de junio)

Lleida: Teatro Principal de Lleida

San Cugat del Vallés (Barcelona): Cinesa San Cugat

Tarragona: JCA Cinemes Valls, Rambla de L´Art -Cambrils

COMUNIDAD VALENCIANA

Benidorm (Alicante): Colci Rincon

Valencia: ABC Park, Yelmo Cines Valencia (20 de junio)

EUSKADI

Bilbao: Golem Alhondiga (20 de junio)

Leioa (Bizkaia): Cinesa Artea

Portugalete (Bizkaia): Dock Cine

San Sebastián: Trueba

Vitoria: Cines Florida

EXTREMADURA

Badajoz: Cines Conquistadores

Cáceres: Multicines Cáceres

Mérida: Cinesa El Foro

GALICIA

A Coruña: Cines Cantones

Santiago de Compostela: Cinesa As Cancelas, Cines Compostela

Vigo (Pontevedra): Multicines Norte

ILLES BALEARS

Palma de Mallorca: Cinesa Festival Park

ISLAS CANARIAS

Las Palmas de Gran Canaria: Multicines Monopol

Tenerife: Yelmo Cines Meridiano (20 de junio)

LA RIOJA

Logroño: Cine 7 Infantes

MADRID

Alcobendas: Cinesa La Moraleja

Las Rozas: Cinesa Las Rozas

Madrid: Cines Verdi, Cines Conde Duque Goya, Cines Dreams Palacio de Hielo, Cinesa Manoteras, Cinesa Proyecciones, Cines Acteon

MURCIA

Cartagena: Neocine Mandarache

Murcia: Centrofama

NAVARRA

Pamplona: Golem Baiona (20 de junio)

Retrospectiva y cierre de la 19ª Edición del Festival Alemán en Madrid

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Este año, en su nueva ubicación (Palacio de La Prensa), no pierde calidad el esperado festival por crítica y público. Una vez más, acompañando notables retrospectivas, disfrutaremos de lo último en la cartelera germana. Muchas de ellas se solapan en un ajustado horario, con hasta cinco proyecciones al día, pero afortunadamente, algunas pasarán por Filmin, plataforma de cine europeo que colabora con el Festival de Cine Alemán. Aquí os dejamos os dejamos un repaso de las películas que en Beat4people hemos visionado en unas salas, afortunadamente, por lo general bastante llenas.

6 de Junio de 2017

La inauguración, con sendos discursos del Ilustre Embajador de la República Federal Alemana y del Instituto Goethe previa proyección de Las flores de antaño y un coloquio con una de las productoras del filme, volvió a ser un éxito.

Lleno total para una obra atrevida sobre un revisionismo del Holocausto en equilibrio entre el terrible drama y sufrimiento y una ácida comedia romántica. Los protagonistas son parte de una institución encargada de organizar un congreso sobre el Holocausto. Poco antes de morir repentinamente, el que preside la institución releva del mando al que lideraba el estudio para dicho congreso, (Lars Eidinger), pasando a ocuparse de atraer gente y de los invitados. No puede liderar alguien que fácilmente se exalta por todo.

El nuevo responsable, (Jan Josef Liefers), ficha a su amante, (Adèle Haenel), para que ayude al exresponsable.

Lars Eidinger y Adèle Haenel, nietos de verdugo y víctima respectivamente del Holocausto, tendrán que recorrer un camino nada fácil que nos deja una ácida, dura por momentos, comedia romántica y una esperanza que nos ayudará a pasar página de conflictos del siglo pasado que siguen, por desgracia, aun latentes.

Las flores de antaño, que en su estreno en Alemania tuvo un dispar recibimiento tanto por la crítuca como por el público, ha sido premiada con el Tokyo Grand Prix, Audience Award Tokyo y el Baden-Wurtemberg Film Prize 2016.

7 de Junio de 2017

La jornada empieza con  El día más hermoso.  Si la anterior película era un viaje al pasado, para cerrar heridas y reencontrarse con uno mismo, El día más hermoso se trata de una entretenida y hasta cierto punto gamberra comedia que, aunque su ritmo es desigual, merece la pena darle una oportunidad por las herramientas narrativas y algunos de sus planos, en lugares muy variados, de los que hace alarde y buen uso el director, Florian David Fitz.

El tema recurrente, una enfermedad mortal de dos amigos, da pie a tratar temas como la inmortalidad en la red, el arrepentimiento por comportamientos pasados y la búsqueda de una sincera amistad, pase lo que pase. Enseñándonos aquello que de verdad importa.

La sobremesa fue tiempo para degustar una añeja y curiosa joya expresionista. Algol: Tragedia del poder ( del ciclo Überall – Ciencia Ficción y Ciberpunk).

Siete años antes que Metrópolis, de Fritz Lang, Algol: Tragedia del poder, trata también del trabajo, la revolución industrial y el poder. Lo hace involucrando, con todos los recursos del expresionismo alemán vigente en esa época, a extraterrestres y una misteriosa tecnología muy potente. Parece sumamente eficaz, pero también tiene su lado malo.

Redescubierta gracias a una copia en Chile, esta joya llega a nuestros días como una de las primeras obras audiovisuales de ciencia ficción, después de Le Voyage dans la Lune (Viaje a la Luna) del “artesano” G. Méliès.

Dentro de este ciclo quedan tres que prometen: Destino Espacial: Venus, Decoder y Somos el diluvio. Lástima que algunas se solapan con otras interesantes películas.

Marija

Esta cinta entra dentro del arco social del festival. Nos muestra los bajos fondos de Alemania y Europa del Este, con una protagonista, Marija (excepcionalmente interpretada por Margarita Breitkreiz), que es capaz de superar cualquier cosa, fríamente, con tal de alcanzar su objetivo. Es difícil juzgarla, ya que en su situación, casi todos haríamos lo mismo.

Su director y guionista, Michael Koch, nos da varios mensajes para reflexionar una vez visto este filme, como la inmigración y la esperada integración europea real.

En cuanto a los aspectos formales, su dirección es sumamente realista, que por no tener no tiene ni música. Enseña, con dureza, lo más turbio y mísero de quienes buscan una vida mejor y quienes se aprovechan de ello pero sin llegar a recrearse. Únicamente al final se permite Koch hacer un plano, esta vez con música, puramente cinematográfico, con el rostro de Margarita Breitkreiz prácticamente en primer plano mientras avanza por la calle.

Se podrá visionar de nuevo el jueves 8 de junio a las 17 horas.

 Cerró la jornada El Éxtasis, un filme puramente psicológico en ocasiones de una brutal, sobrecogedora pero a la ve hermosa violencia por cómo se muestra visualmente y en otras de mucha tensión. Por las escenas de un hotel en Hamburgo, recuerda a Lost in translation. Y a Drive, por un par de secuencias en el ascensor de ese hotel, aunque en esta ocasión no culmina con violencia.

Con soberbias interpretaciones del trío protagonista, por lo difícil de la historia, el director y guionista Sven Taddicken nos hace partícipes, desde distintos ángulos y con una muy elaborada puesta en escena, de los conflictos de la sociedad actual: pérdida de fe, insomnio, conflictos amorosos y una necesidad de refugiarse en guías de autoayuda y/o la pornografía. Sin ambages, metáforas sutiles u omisiones que, sin embargo, se equilibria con el punto adecuado de ternura a lo largo del metraje.

El Éxtasis se proyectará de nuevo el sábado 10 de junio a las 19 horas.

8 de Junio de 2017

La mañana empieza con la proyección de Rico, Óscar y los ladrones de piedras. Como es habitual en el festival, y más en la película infantil, acompañado por varios colegios. Una iniciativa francamente positiva para acercar a los niños, el futuro, al Séptimo Arte y mantenerlo vivo.

Esta secuela de las dos anteriores ediciones mantiene el mismo tono divertido, un punto gamberro y con elementos narrativos, para las transiciones, que recuerdan al cómic. En versión moderna, recuerda a los Goonies y, más recientemente, la saga de Solo en casa.

Los protagonistas,  Anton Petzold y Juri Winkler, vuelven a formar esa extraña pareja de detectives sin miedo a nada, jocosos, valientes pero, sobre todo y pase lo que pase, inseparables amigos. Bien dirigida narrativa y visualmente por Neele Leana Vollmar, vuelve a ser una triunfal adaptación de los libros juveniles de Andras Steinhöfel.

Sin menospreciar otras películas infantiles, como la memorable y dickensiana Los hermanos  de negro o, más de el estilo de Rico y Oscar, La pandilla cocodrilo, espero que siga habiendo más aventuras para estos jóvenes berlineses.

El viernes 9 de junio, a las 17 horas, Oscar, Rico y compañía vuelven a la pantalla del Palacio de la Prensa. Buen plan familiar para una calurosa tarde de viernes.

El camino soñado ha sido le película de la sobremesa. Pretenciosa y falta de hilo conductor que hilvane un guion que podría haber sido mucho más. Si pretendía ser <<una radiografía de la Europa de horizontes perdidos>>, se ha quedado en filme excesivamente visual y pausado, con un mensaje poco esperanzador para lo que se necesita ahora. Es cierto que el cine puede, y debe, ser usado no solo como entretenimiento sino como portavoz de reflexiones sobre el pasado, presente y futuro de la sociedad en conjunto. Pero para ello hay que dotar al guion de una solidez tal que permita enganchar al espectador. Interesarle. En este caso, visualmente es cierto que tiene planos y paisajes buenos, pero la falta de conexión entre las historias cruzadas, el exceso de planos fijos y planos detalles más la escasez de diálogos o música hacen de El camino soñado una pérdida de oportunidad para exponer un tema tan importante como el que pretende tratar.

Veo difícil que entre en el Olimpo de memorables títulos que han sido proyectados en este Festival, cada vez más relevante y que llega a innovar con filmes como el que viene a continuación, El Veredicto, gracias a su formato interactivo. Pero para los que gusten de este tipo de películas, el domingo 11 de junio a las 19:30 horas podéis disfrutarlo.

El Veredicto (película interactiva) es la última película vista hoy. Un intenso debate en el que las cuestiones jurídicas y morales entran en juego, con la salvedad de una pequeña trampa. Se da por hecho que ninguna autoridad da la orden de desalojar el estadio con las 70.000 personas ante el avión secuestrado con las 164 personas abordo. Algo impensable en realidad pero que en la película deja únicamente al acusado, piloto del Ejército del Aire alemán (Florian David Fitz,  -al que también hemos visto de forma muy distinta pero igual de soberbia en El día más hermoso-), de tomar una difícil decisión en pocos minutos ante la imposibilidad de contactar o disuadir al terrorista.

Como se mencionó en el coloquio posterior a la proyección, el autor de la novela en la que está basada esta obra, abogado penalista, indica que el militar es culpable, pero que el Presidente de la República Federal Alemana le indulta poco tiempo después. Durante el coloquio también han surgido cuestiones interesantes. Como que el militar es un “chivo expiatorio” ante la nula reacción de las autoridades o que, en la guerra global ante la que estamos actualmente, las bajas colaterales son inevitables. O que la Constitución, que penaliza priorizar una vida frente a otra.

El Veredicto no dejaría de ser una más de las muchas de juicios que han pasado a la historia por lo que supusieron o por su realización de no ser por el factor interactivo. Ya se ha hecho en teatro, pero nunca en cine. Nada más entrar en la sala, a los espectadores nos entregan un cartón circular con dos caras: inocente o culpable. La fiscal, el abogado defensor, el propio militar y testigos dan sus testimonios exponiendo los motivos para absolverle (que no es lo mismo que declararle “no culpable”) o condenarle.

Al final del juicio, el Presidente del Tribunal se dirige al público, el jurado, para pedir veredicto atendiendo no a simpatías sino a lo que se ha expuesto en la Sala. En esta ocasión, frente a lo que pasó en Alemania, el veredicto ha sido de inocencia. Con muchos reparos y votos particulares, pero esta vez ha ganado el juicio.

También en el rodaje, la mayoría del equipo consideraba que el acusado era culpable. ¿Inocente o culpable? Un dilema muy difícil de dirimir. Lo que está claro es que muchas cosas hay que cambiar, y seguir legislando para que la seguridad no suprima los valores o la dignidad humana, pero que tampoco se claudique ante los fanáticos de cualquier ideología o creencia.

¿Qué pasará cuando se proyecte en televisión o por Internet? ¿Habrá más películas con este formato de dos o más finales? Lo que queda claro es que, en esta ocasión, se ha generado un interesante debate, demostrando que el público puede ser un elemento decisivo para la narrativa de un filme. Un factor más para atraer espectadores a las salas de cine, que tanta falta hace.

9 de Junio de 2017

Decoder: Buen gusto para el mal gusto.

<<Partiendo de la idea de que el cerebro de las masas puede ser manipulado por sonidos, F.M. realiza grabaciones del sonido ambiental de cadenas de fast food con el fin de desarrollar un arma contra el “muzak”, la música oficial del estado diseñada para paralizar cualquier pensamiento crítico en la sociedad. F.M. logra descodificar las grabaciones y, recomponiéndolas, crea un “anti-muzak” con el que siembra el caos en la ciudad…>>.

Muscha (Jürgen Muschalek) en el año ochenta y tres con su estilo punk, retrata una Alemania Occidental (RFA) orwelliana. Nos acerca una experiencia más cercana al videoarte en su primera mitad y más narrativa en la segunda. Atmósferas abotargadas de estridencias sonoras y visuales. Con un concepto expresionista y una estética punk que consigue incomodar y a la vez hace disfrutar de una historia de caos. Usando elementos pornográficos, cierta dosis de maltrato animal, reclutando trabajadores para una empresa de comida rápida al estilo La chaqueta metálica… Todo esto le ayuda a componer un tapiz de consumismo exacerbado. En este marco se centra en el fenómeno “muzak”, que no es ni más ni menos que está sintonía, tan familiar en nuestros días, que encontramos en cualquier comercio. Muscha nos planta a su protagonista revelándose contra todo esto, y edita en un estudio de sonido el antídoto para esta manipulación sensorial. Lo pone en práctica y siembra el caos.

Rodada en super 8 tiene , lógicamente, sus carencias tanto técnicas cómo de puesta en escena. Supedita el poder de la pieza al montaje, alejándose de la formalidad​ narrativa, abusando de gratuidades que en cierto modo le ayudan a dar forma al marco de la historia y buscando el gran valor de su película en alusiones directas a los estímulos, irónicamente igual que lo que se supone que se busca al usar “muzak”.

Somos el diluvio: Mal gusto para el buen gusto.

Una auténtica lástima que al lado de está entrañable sala de proyección se encuentre una discoteca y sea viernes noche. No le ha venido nada bien al espectador que hoy ha optado por ir a ver Somos el diluvio, ya que toda la sala retumbaba, en momentos íntimos de la cinta escuchabas perfectamente las canciones del garito contiguo. Menos mal que los artífices de la película han faltado a la cita (alegando problemas familiares), porque seguro que se hubieran llevado cierta decepción, empañando ligeramente la gran organización del Festival en su nueva sede.

En cuanto a la película, decir que no deja de ser un relato de realismo mágico, pero desde un punto de vista muy tecnificado, con un telón de fondo científico, algo que le sienta muy bien. Con una fotografía paisajista alucinante, muy esteta y con un mimo que atraviesa la pantalla a cada plano.

Narrativamente notable, va al grano, aunque la magia del relato hace que algún espectador no ate cabos y se sume en ocasiones al ruido de fondo discotequero.

Plantea una clara alegoría; “El mar se alejó poco a poco de la costa este de Alemania” y la falta de niños en esa población. Aprovecha muy bien todo el simbolismo que da una población con personajes retrógrados, que impiden avanzar a los protagonistas en sus investigaciones. Al igual que los militares que protegen la zona.

Lo más farragoso de la película llega cuando rizamos el rizo y según los murmullos de la platea; “El protagonista tiene visiones”. Efectivamente, hay detalles en la película que no están perfectamente detallados, pero se asumen sin problema desde la premisa inicial. También estos sucesos acompañan muy bien al personaje protagonista y a la relación que se crea con su coprotagonista.

En definitiva, Somos el diluvio hay que verla en un momento de sosiego y dejarse llevar por la narración,  haciendo cábalas después. La película, de una duración inferior a la hora y media, lo vale.

Esto ha sido todo por nuestra parte. Fuera del tintero nos hemos dejado cintas que sin duda tenían buena pinta pero, por desgracia, en una semana es imposible verlas todas. Os invitamos a comentarlas en esta “crónica abierta” a los que las hayáis visto. O dar vuestro parecer sobre las obras que sí reseñamos.

Estaremos pendientes del resultado de las votaciones entre los espectadores del festival, (aun abiertas) para descubrir el filme ganador de tan prestigioso premio, el que otorga el público, objeto de deseo de todos en este sector. Por lo demás, seguiremos disfrutando del cada vez mejor  a nivel artístico y narrativo cine europeo a la espera, con muchas ganas ya, de la 20º edición del Festival de Cine Alemán en Madrid. Gracias a los organizadores y el equipo de los cines Palacio de la Prensa, y hasta el año que viene.

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